Schönen guten Morgen, oder guten Tag, oder was auch immer gerade für eine Tageszeit ist, bei der Du diesen Blogpost liest.

Es gibt hier im Blog eine kleine Änderung, die Dir vielleicht unbedeutend vorkommt, die ich aber sinnvoll finde: Ich habe bisher immer beim Schreiben oder bei der Aufnahme von Videobeiträgen meine Leser oder Zuschauer als Gruppe angeredet, also “…ihr seht/könnt…” oder “…wünche euch viel Spaß…”. Das ist glaube ich auch eine völlig natürliche Schreibweise, wenn ICH mich als Blogger hinsetze und eben für EUCH als meine Leserschar ein paar Worte auf das virtuelle Papier banne.

Nun habe ich mich neulich wieder einmal in den Blog von Calvin Hollywood begeben, und da ist mir aufgefallen, dass er sozusagen jeder Leser einzeln anpricht, indem er die Anrede “DU” verwendet. Das hat mir als Leser sehr gefallen. Es ist eine total winzige Kleinigkeit, aber ich fühlte mich in der Tat viel persönlicher von Calvin’s Blogpost angesprochen, und nicht nur als einzelnes Bestandteilchen in einer virtuellen und unsichtbaren Masse.

Kurz und gut: Den Kunstgriff klau ich mir beim Herrn Hollywood und werde das ab jetzt hier im Blog auch so machen.

Ihr Könnt … (Umgewöhnung!) … Du kannst mir ja mal in die Kommentare schreiben, ob Du das gut findest oder nicht – und vor allem warum!

Bis zum nächsten Blogbeitrag!

OK, das könnte jetzt ein sehr kurzer Blogpost werden. Und zwar mittels der Antwort: Das ist ja wohl absolut unterschiedlich und typabhängig.

Weil das aber zu einfach wäre, hier mal der Versuch einer etwas ausführlicheren Antwort.

Zunächst mal die Ausgangslage

Ich gehe einfach mal von mir aus. Das bedeutet: Familienvater, Vollzeitjob mit regulären Arbeitszeiten. Fotografie ist Hobby und Nebenberuf und findet daher rein in der Freizeit statt, die Job, Haus und Familie so übriglassen. Mit anderen Worten: in sehr limitierter Zeit.

Meine Entwicklung

Neben der Tatsache, dass ich eigentlich “schon immer” gerne geknipst habe – und ich schreibe bewußt “geknipst” und nicht “fotografiert” – hat sich nach dem Erwachen des Interesses an Fotografie die Informationsbeschaffung zunächst ausschließlich im Internet abgespielt, und zwar vorrangig bei zwei Quellen: dem DSLR-Forum und dem Fotolehrgang von Tom Striewisch.
Der Fotolehrgang war für die fotografischen Grundlagenkenntnisse zuständig, das Forum für technische Fragen und- ich wage es kaum auszusprechen – die Kaufberatung.
Später, nach dem Einkauf der ersten digitalen Spigelreflexkamera in 2006, kamen dann noch regelmäßige Besuche in einem Nikon-spezifischen Forum dazu, dem NikonPoint. Dieses Forum löste während meiner “Forenzeit” nach einer Übergangsphase das DSLR-Forum so ziemlich vollständig ab, weil der Umgangston dort weit überwiegend eine ganz Spur moderater, freundlicher und hilfsbereiter war. Und es gab deutlich weniger Trolle…

Forenzeit? Ja, genau. In der Tat bin ich jetzt schon seit ein paar Jahren so ziemlich gar nicht mehr in Fotoforen unterwegs. Mit wachsender Kenntnis über die technische Seite der Materie Fotografie haben sich einfach immer weniger Fragen ergeben, zu denen ich mir dort Rat holen musste oder wollte. Parallel dazu hat sich mein Konsum von Fotografenblogs, -videos, -tutorials entsprechend erhöht. An erster Stelle wären da die Blogs von Krolop-Gerst und Patrick Ludolph zu nennen. Da geht es dann aber eben nicht mehr um grundlegende Dinge bei der Bedienung einer Kamera, oder um Fragen der Marke “welches Objektiv soll ich kaufen”, sondern um Tipps und Tricks für’s praktische Fotografieren. Also Lichtsetups, Bildaufbau, Bildbearbeitung und solche Sachen.

In Foren werden zudem auch gerne kleinste technische Aspekte zu einem riesigen Problem aufgebauscht, die im Zweifel wenigstens für die eigene fotografische Praxis überhaupt keine Relevanz hat. Ich erinnere mich da gerne, wie sich jemand (bzw. eine ganze Gruppe) über die Vignettierung eines Objektivs aufgeregt hat. 1.7 Blenden Vignettierung in den Bildecken. Ein Skandal! Damit kann man doch nicht fotografieren!
Damals hat mich das beschäftigt. Ich habe hinterfragt, ob es wirklich so schlau von mir war, dieses unglaublich schlechte Objektiv zu kaufen. Aus heutiger Sicht ziemlich naiv und lustig. Denn inzwischen habe ich mir in Lightroom eigene Objektivprofilpresets angelegt, bei denen die Vignettierungskorrektur mit voller Absicht ausgeschaltet ist. Im Regelfall füge ich eher noch Vignettierung hinzu, um den Blick des Betrachters zu helfen, sich auf das Wesentliche zu konzentrieren…

Ich glaube aber, das ist eine Entwicklung, die die meisten Hobbyisten durchlaufen. Erstmal gibt es viele Fragen zur Technik. Dann will man sein Geld ja nicht unsinnig versenken, weshalb Unmengen von Testberichten gelesen werden und in Foren bis zur Agonie darüber diskutiert wird, welches Objektiv in welchem Testkriterium besser abgeschnitten hat und so weiter und so fort. Irgendwann hat man dann aber sein Werkzeug beisammen und im Griff, und der Fokus geht weg von der Kameratechnik und hin zum Bildinhalt:

• Wie bekomme ich dieses Bild hin?
• Wie kann ich einen bestimmten Look kreieren?
• Worauf muss ich bei der Kommunikation mit dem Model achten?
• und so weiter und so fort…

Das sind eben die Dinge, die mich jetzt vorrangig beschäftigen, seit ich mit der grundlegenden Technik nicht mehr hadern muss. Das heißt natürlich nicht, dass ich alle Technikaspekte kenne und draufhabe. Ich kenne halt die Dinge, die ich ständig benutze und mache mir im Übrigen einfach keine Sorgen um dass, was ich vielleicht nicht kenne. Wenn ich auf ein Problem stoße, oder eine neue Technik, die mich interessiert, wird das kurz recherchiert, im Zweifel ausprobiert und dann ist auch gut.

Ein anderer Punkt ist natürlich immer – und zwar von Beginn an – das “machen”. Das ist ja so eine Sache, wenn Fotografie ein Hobby ist, das in begrenzter Zeit stattfindet. Da würde man vielleicht gerne mehr machen, aber die zeitlichen Zwänge des übrigen Lebens lassen das oft nicht zu. Aber letztlich ist “Praxis” nunmal der beste Lehrmeister – jedenfalls für mich. Es geht einfach nix über persönliche Erfahrungen.
Und genau da kommen aus meiner Sicht Workshops ins Spiel.
Denn bucht man einen Workshop hat man sich der Zeitfalle “Alltag” entzogen, man hat sich ein Zeitfenster geschaffen, in dem es mal ausschließlich um die Fotografie geht. Auch daheim kann man sicherlich viele Dinge mal antesten und ausprobieren, aber allzuoft ist man dann eben doch wieder für die Familie, Telefonanrufe etc. unmittelbar greifbar. Der normale Alltag droht dann, die Fotoexperimente wieder zu verdrängen.

Ist aber ein Workshop gebucht, ist völlig klar, dass man raus ist aus dem Alltag. Man kann sich wirklich auf die Fotografie konzentrieren.

Dazu kommt dann, dass man bei der Teilnahme an Workshops natürlich mit dem ganzen organisatorischen Kram nichts zu tun hat. Model und Visa etc. organisiert der Veranstalter. Und zwar in aller Regel Profis, was einem Fotografen ja nun auch das Leben beträchtlich erleichert.

Gleiches gilt im Prinzip, wenn man selber ein Shooting organisiert hat. Dann ist klar: dieser Zeitslot ist belegt. Leute wurden organisiert, man ist unterwegs und nicht greifbar. Das setzt aber mal voraus, dass man sich das dann eben auch zutraut. Optimal ist es da auch, wenn man nicht alles alleine macht. Ich bin ja meist mit meinem Fotobuddy Toto unterwegs, so dass mal der eine den Fotografen und der jeweils andere den Assistenten gibt. Aber es ist eben gut, wenn man sich unmittelbar austauschen kann.

Neben “selber machen” kann ich am besten durch “über die Schulter schauen” lernen. Auch dafür eignen sich ja Workshops ideal. Weil das aber natürlich zeitintensiv und nicht immer ganz preiswert ist, nutze ich hierzu auch gerne Videotutorials. So habe ich zum Beispiel Videotrainings von Martin Krolop und Patrick Ludoph gekauft, aber auch von jenseits des großen Teiches gibt es ja zum Beispiel in Form des Kelbytraining (bzw. KelbyOne, wie es jetzt heißt) ein wahres Füllhorn von Videotutorials mit Größen wie Joe McNally oder Jay Maisel.

Habe ich noch was vergessen?

Achja, Bücher.

Nachdem ich ein bekennender Fan des Fotografen Joe McNally bin, ist es vielleicht nicht verwunderlich, dass ich hier drei seiner Bücher im Regal stehen habe. Daneben stehen aber auch noch Bücher von Scott Kelby, Tamara Lackey, Zack Arias, Gregory Heisler, Frank Doorhof und – als einziges deutschsprachiges Buch – Das Blitz-Kochbuch von Andreas Jorns. Eine kleine Linkliste habe ich unten man angehängt. Insgesamt stehe ich dabei eher auf “erzählende” Bücher, also keine rein technischen, lehrbuchhaften Abhandlungen, sondern den Erzählungen des Fotografen rund um ein Bild. Das beinhaltet dann im Zweifel auch die Überlegungen zur Technik und technische Hinweise und Ausführungen, ist aber oft eingebettet in die übergeordneten, motivbezogenen Überlegungen.
Zu dem hier vorhandenen Buch von Gregory Heisler, 50 Portraits, hatte ich mich hier ja schon mal ein wenig ausgelassen.

Und Podcasts.

Zu den regelmäßig konsumierten Podcasts gehören einmal die wöchentliche Foto-Talkshow “The Grid” aus der KelbyMedia-Schmiede. Nicht immer ein absolutes Muss, aber oft nett und je nach Gast schon mal sehr interessant.
Auf der “das muss ich hören”-Liste ganz oben steht der – momentan nach dem Ende der 2. Staffel pausierende – AUDIO(!)-Podcast Das Maddin und das Paddy, in dem Martin Kolop und Patrick Ludolph über alles Mögliche und Unmögliche aus der Welt der Fotografie schnacken.
Das Wunderbare an Audiopodcasts ist ja, dass man die gepflegt auf dem Weg zur Arbeit (oder wobei auch immer) hören kann. Da ergeben sich auch mitten im Alltag immer irgendwelche Gelegenheiten.

So. Jetzt bin ich aber glaube ich einmal durch alles durch, was ich so nutze oder genutzt habe, um mich fotografisch aus- und fortzubilden.
Schreibt mir doch bitte mal eure Tipps und Fortbildungsvarianten in die Kommentare.

Hier kommt jetzt noch die oben versprochene Bücherliste, und dann ist aber sowas von Feierabend…
Nun also in völlig zwangloser Reihenfolge die Bücher meines Fotobuchregals mit Amazon-Links:

Joe McNally – The Moment it Clicks
Joe McNally – The Hot Shoe Diaries
Joe McNally – Sketching Light
David A. Ziser – Captured By The Light
Moose Peterson – Captured
Tamara Lackey – Envisioning Family
Tamara Lackey – Children’s Portrait Photography
Scott Kelby – Light it, shoot it, retouch it
Zack Arias – Photography Q&A
Gregory Heisler – 50 Portraits
Frank Doorhof – Mastering the Model Shoot
Andreas Jorns – Das Blitz-Kochbuch

Ist klar, worum es geht, oder?

Anscheinend hat einen guten Teil der im Internet sehr präsenten Fotografen der Trend zum Minimalismus gepackt – jedenfalls, was die Kamerasysteme angeht, mit denen sie fotografieren. Die OMD-Serie von Olympus zum Beispiel oder die X-Serie von Fuji, um nur mal 2 der Protagonisten auf diesem Feld zu nennen. Spiegellose Systemkameras, teilweise mit im Vergleich zu handelsüblichen digitalen Spiegelreflexkameras kleineren Bildsensoren ausgestattet, stellen durchaus eine Verlockung dar, versprechen sie doch eine gleichartige oder wenigstens sehr gut hinreichende Bildqualität bei deutlich reduziertem Packmaß und Gewicht gegenüber den Spiegelreflex-Boliden.

Seit mehr als einem Jahr beschäftige ich mich immer mal wieder mit der Frage, ob ich mir wohl als kleine “Immer-dabei-Kamera” so eine spiegellose Systemkamera kaufen sollte. Denn das ist klar: Meine Vollformat-Spiegelreflexkamera mit 2.8er Objektiv erweist sich in diesem Bezug als reichlich sperrig, klobig und schwer. Da hätte so ein kleines Kameralein schon echt seinen Reiz.

Ein Freund hat sich kürzlich die XM von Fuji gekauft. Echt niedlich, in was für ein Mini-Gehäuse man einen APS-C-Sensor packen kann. Gute Bildqualität im Gürteltaschenformat. Allerdings würde ich – wenn es schon um Miniaturisierung geht – dann doch eher zu einem Micro-4/3-System wie der OMD-Serie von Olympus tendieren, denn so klein die Kameras der X-Serie auch sind, die Objektive müssen dann eben doch wieder auf das APS-C-Format ausgerichtet werden, was der Miniaturisierung eben Grenzen setzt.

Wenn schon klein, dann auch richtig. Aber eben auch nicht zu klein. Als Nikonianer drängt sich ja der Blick zur Nikon 1 Serie auf. Aber da wird mir dann der Sensor dann irgendwie doch schon ZU klein, und irgendwie komme ich auch nicht mit der Modellpolitik von Nikon klar. Wenn die Teile wenigstens mit dem normalen Blitzsystem der Nikon-DSLR-Schiene kompatibel wären… Aber nein, da muss ja wieder was Eigeständiges her. Muss ich echt nicht verstehen. Und die Preise übrigens auch nicht…

Also war ich irgendwie schon auf die OMD-Schiene geraten. Micro-4/3 ist in meinen Augen irgendwie der Königsweg für den Kompromiss zwischen “so klein wie möglich” und “so gut wie möglich”. Ein Traum wäre natürlich so ein Set aus der OMD EM-1 mit dem 12-40/2.8 und dem 45/1.8 oder besser noch dem 75/1.8. Ziemlich klein und handlich, was für eine “Immer-dabei-Kamera” ja schon toll ist, dabei aber eben auch auf den professionellen Bedarf ausgerichtet, was ich ehrlicherweise auch nicht vermissen möchte. Nicht, dass ich jetzt der totale Superprofi bin, aber ich glaube, es würde mich total annerven, eine Kamera zu haben, die mich bedienungsmäßig ständig auf’s Menü verweisen würde.

Die Kosten so einer Lösung sind dann aber eben auch schon nicht mehr so ganz günstig. Und genau da bleibe ich dann immer hängen. Dann geht die Suche nach preiswerteren Optionen los. Gut, die EM-1 könnte man ohne allzu große Abstriche auch durch die EM-10 ersetzen. Aber bei den Objektiven sieht das für mich anders aus. Wenn ich dann Testberichte zu den Consumer-orientierten Objektiven lese komme immer wieder zum gleichen Schluss: Damit würde ich nicht glücklich.

Denn Fakt ist: Von meine D800 mit den guten 2.8er Objektiven und den diversen Festbrennweiten bin ich bildqualitätsmäßig vermutlich ganz schön verwöhnt. Auch wenn dann mein Kopf weiß, dass bei einem kleineren Kamerasystem insbesondere bei Nutzung von preiswerten Objektiven unweigerlich Abstriche bei den Anforderungen gemacht werden müssen, würde sich mein Bauch vermutlich jedesmal ärgern, dass ich nicht die bestmögliche Option für das kleine Kamerasystem gezogen habe. Und schon zucke ich wieder vor den Kosten zurück, und muss mich der Frage stellen: Wozu habe ich mir eigentlich ein teures und großes Vollformatset aufgebaut, wenn es jetzt auf einmal zwei ganze Nummern kleiner sein soll?

Natürlich gibt es viele Antworten auf diese Frage. Einige davon könnten sogar rationell haltbar sein. Etwa, dass die beiden Kamerasysteme natürlich für unterschiedliche Anforderungen gedacht sind und so weiter. Echt gute Argumentation – jedenfalls für einen Vollprofi, der sich tagtäglich unterschiedlichen Anforderungen ausgesetzt sieht. Aber für einen Nebenberufler/Hobbyisten wie mich? Hmmm. Da sehe ich doch Schwierigkeiten in der Rechtfertigung der Ausgaben vor der Regierung.

Und die Lösung?

Die gibt es noch nicht. Ein kompetentes Kamerasystem èn Miniatur zu besitzen hat nach wie vor einen großen Reiz. Aber eben auch seinen Preis.

Willkommen in der Dauerschleife.
Wenn ich nen Ausgang gefunden habe, sage ich euch Bescheid.

*Update 12.04.2016 (was man bei einer Blogrevision nicht so alles findet…):

Ich habe immer noch kein zusätzliches kleines Kamerasystem. Aber es liegt an mir, glaube ich….

*UPDATE 04.05.2017 (bei der nächsten Blogrevision):

Gerade kürzlich hatte ich die XT-2 von Fuji in der Hand. Hat aber auch nicht geholfen….

Also mal ehrlich: In Deutschland ist doch so ziemlich alles genormt. Hintergrundsysteme sind davon aber anscheinend ausgenommen.

Wie ich darauf komme? Ich habe gerade eine Rolle Hintergrundkarton um ziemlich genau 10cm in der Breite eingekürzt, damit ich den Karton auch mit nur 3 der 4 Querstangen meines transportablen Hintergrundsystems nutzen kann. 10cm von 272cm Gesamtbreite. Das ist doch echt nicht wahr.

Unverständlich? Ja gut, ich erklär’s etwas ausführlicher:

Ich habe für mein portables Fotostudio ein Hintergrundsystem; nichts weiter als zwei Stative, auf die man eine Querstange auflegt. Die Querstange besteht aus vier Einzelteilen die zusammengesteckt werden, damit das System überhaupt transportabel ist.

Steckt man drei der vier Einzelteile zusammen ergibt sich eine nutzbare Innenbreite zwischen den Stativen von ca. 262cm. Eine Standardrolle Hintergrundkarton ist aber 272cm breit. ARRRGH. Alle vier Teile der Querstange zusammengebaut haben dann noch einen gehörigen Puffer für breitere Hintergründe.

Und wo ist das Problem? Kann man doch einfach alle vier Teile der Querstange zusammenstecken und gut ist. Jahaaa. Kann man. Wenn genug Platz ist.

Vergangenes Wochenende war es wieder soweit: Bei den Kunden war nur Platz für drei der Querstangenelemente. Bye Bye schöner glatter Hintergrundkarton, Auftritt faltiger Bühnenmolton + Bügelorgien in Photoshop.

Ich war es satt und habe jetzt einfach mal eine Rolle weißen Hintergrundkartons so eingekürzt, dass der jetzt auch bei nur drei Elementen passt.
Vielleicht sollte ich aber sinnvollerweise mal nach einem neuen HG-System umschauen, wo der Hintergrundkarton in Standardbreite einfach so draufpasst. Gibt es nämlich. Hab ich gerade eben festgestellt. Ich zitiere: “einstellbare Breite 190 / 282 / 368 cm”. Seufz. Manchmal sollte mal halt ERST gründlich die Optionen prüfen…

Und zum Thema Falten im Stoffhintergrund mach ich demnächst mal ‘nen ausführlicheren Blogpost.

Bis bald.